Esther Ferrer

Evolución - Metamorfosis, 2005

Evolución - Metamorfosis

Esther Ferrer

Esther Ferrer (1937, San Sebastian, España) es pionera y una de la principales representantes del arte de la performance en España . Desde los años 70 desarrolla su trabajo transitando desde la acción al objeto y viceversa, inscribiendo su propio cuerpo como punto de partida.

Metamorfosis, forma parte de su serie libro de las cabezas, donde a partir de su autorretrato desarrolla una serie de fotografías donde reflexiona sobre el paso del tiempo, el cuerpo y la presencia, a través de la repetición de su propia imagen y siempre con un incuestionable sentido del humor.

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Fotografía B/N

2005

4000 EUR
Impuestos no incluidos

Esther Ferrer

Evolución - Metamorfosis, 2005

Evolución - Metamorfosis

Esther Ferrer

Esther Ferrer (1937, San Sebastian, España) es pionera y una de la principales representantes del arte de la performance en España . Desde los años 70 desarrolla su trabajo transitando desde la acción al objeto y viceversa, inscribiendo su propio cuerpo como punto de partida.
“Metamorfosis”, forma parte de su serie libro de las cabezas, donde a partir de su autorretrato desarrolla una serie de fotografías donde reflexiona sobre el paso del tiempo, el cuerpo y la presencia, a través de la repetición de su propia imagen y siempre con un incuestionable sentido del humor.

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Fotografía B/N

2005

4000 EUR
Impuestos no incluidos

Esther Ferrer

Elle Était Là. Mano con silla (Serie El Libro de las Manos), 1984

Elle Était Là. Mano con silla (Serie El Libro de las Manos)

Esther Ferrer

Esther Ferrer (1937, San Sebastian, España) es pionera y una de la principales representantes del arte de la performance en España . Desde los años 70 desarrolla su trabajo transitando desde la acción al objeto y viceversa, inscribiendo su propio cuerpo como punto de partida. Elle était là surge a partir de un poema de la artista que despliega en una serie de obras a través autorretrato donde aparece sentada con una silla y una piedra, ambos objetos recurrentes en sus acciones. En esta obra de la serie, Ferrer recurre al collage reencuadrando y desdoblando la imagen, explorando nuevos puntos de vistas de la misma acción.

ELLE cherchait partout

jours et nuits

avant et après l’aube

seulement la pause pour le petit déjeuner

le lieu était sans aire

ELLE ne respirait pas

ELLE n’avait pas besoin

Et encore…

La pupille ne bougeait pas non plus

ELLE n’avait pas besoin

on voyait tout de l’intérieur

la bouche entrouverte

elle ne s’ouvrait pas

elle ne se refermait pas

mais elle y était

comme les oreilles

à sa place

on aurait dit qu’elles ne servaient à rien

et encore…

elles étaient là

comme tout le reste d’ailleurs

cherchant tout le temps de l’intérieur

et encore…

lieu sans pluie, sans soleil, sans brume non plus,

clair

on y voyait tout

mais on ne pouvait pas trouver

ELLE cherchait pourtant

confondue qu’ELLE était encore avec l’autre monde

celui de dehors

celui du petit déjeuner le matin

et l’amour le soir

cherchant tout le temps

malgré ses yeux, ses oreilles, ses pupilles et ses lèvres fixes

dans en lieu sans horizon , sans nom et sans fin

tout petit

à la dimension de sa tête

quelques cm2 en surface

quelques cm3 en volume

ELLE était là

dans sa main la petite chaise et la grande pierre

assise dessus

pour trouver

et encore…

quelle IDIOTE….

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Fotografía en B/N

1984

5000 EUR
Impuestos no incluidos

Esther Ferrer

Elle étail là, 1984

Elle étail là

Esther Ferrer

Esther Ferrer (1937, San Sebastian, España) es pionera y una de la principales representantes del arte de la performance en España . Desde los años 70 desarrolla su trabajo transitando desde la acción al objeto y viceversa, inscribiendo su propio cuerpo como punto de partida.
En Elle était là la artista despliega una serie de obras a partir de un autorretrato donde aparece sentada con una silla y una piedra, ambos objetos recurrentes en sus acciones. En esta obra Ferrer sustituye la fotografía por el dibujo, repetido con insistencia, como un eco, como una alusión uno de los rasgos característicos en su performance, la repetición, el absurdo.

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Dibujo. Tinta sobre papel

1984

6500 EUR
Impuestos no incluidos

Peter Downsbrough

Untitled (Deal GB), 2002

Untitled (Deal GB)

Peter Downsbrough

El trabajo de Peter Downsbrough ( b. 1940, New Jersey) se inscribe dentro de una compleja relación entre la arquitectura, la tipografía, y la lingüística.
En lo que se refiere a su aspecto formal, el riguroso trabajo de Downsbrough muestra un gran interés por la geometria, limitándose principalmente a la utilización de la línea, el plano, el espacio negativo (cortado), y la delimitación. El núcleo de su obra se basa en la investigación del espacio y la relación del espectador con su entorno arquitectónico; y es precisamente esta investigación de ritmos espaciales y geometría lineal la que también aparece, de manera prominente, en sus fotografías en blanco y negro de paisajes urbanos.

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Gelatino-bromuro de plata sobre papel baritado

2002

9000 EUR
Impuestos no incluidos

Peter Downsbrough

Untitled (London), 2002

Untitled (London)

Peter Downsbrough

El trabajo de Peter Downsbrough (b. 1940, New Jersey) se inscribe dentro de una compleja relación entre la arquitectura, la tipografía, y la lingüística.
En lo que se refiere a su aspecto formal, el riguroso trabajo de Downsbrough muestra un gran interés por la geometria, limitándose principalmente a la utilización de la línea, el plano, el espacio negativo (cortado), y la delimitación. El núcleo de su obra se basa en la investigación del espacio y la relación del espectador con su entorno arquitectónico; y es precisamente esta investigación de ritmos espaciales y geometría lineal la que también aparece, de manera prominente, en sus fotografías en blanco y negro de paisajes urbanos.

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Gelatino-bromuro de plata sobre papel baritado

2002

9000 EUR
Impuestos no incluidos

Daniel G. Andújar

Make love, not war (Serie Battle Cry), 2019 - 2020

Make love, not war (Serie Battle Cry)

Daniel G. Andújar

Daniel G Andújar (1966, Almoradí) desempeña su trabajo entorno a las cuestiones de la democracia y la desigualdad en la sociedad de la información. Mediante la ironía, cuestiona como el uso de las nuevas tecnologías nos afecta y transforman en nuestra experiencia cotidiana y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

En un mundo saturado de imágenes, impactos mediáticos y todo tipo de intrusiones publicitarias, sorprende cómo las técnicas de marketing de la propaganda política consiguen hacerse un hueco entre tanta competencia para hacernos llegar su mensaje y evocar su canto de sirena.

Como parte de esta idea de pensamiento único, el lenguaje se convierte en una herramienta de conspiración y manipulación, un ejercicio de dominación y domesticación más que un lenguaje de democracia, un universo artificial que parece completamente real. Las obras que conforman la serie Battle Cry (2019), creadas por un robot de dibujo para así eliminar por completo el trabajo manual del artista, Daniel G Andújar presenta una colección de aquellos slóganes y frases durante los últimos años y que conforman un archivo de eslóganes políticos utilizados por los políticos contemporáneos.

Web artista: https://danielandujar.org

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Dibujo. Tinta sobre papel Hahnemüle

2019 - 2020

1200 EUR
Impuestos no incluidos

Daniel G. Andújar

Haz que pase (Serie Battle Cry), 2019 - 2020

Haz que pase (Serie Battle Cry)

Daniel G. Andújar

Daniel G Andújar (1966, Almoradí) desempeña su trabajo entorno a las cuestiones de la democracia y la desigualdad en la sociedad de la información. Mediante la ironía, cuestiona como el uso de las nuevas tecnologías nos afecta y transforman en nuestra experiencia cotidiana y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

En un mundo saturado de imágenes, impactos mediáticos y todo tipo de intrusiones publicitarias, sorprende cómo las técnicas de marketing de la propaganda política consiguen hacerse un hueco entre tanta competencia para hacernos llegar su mensaje y evocar su canto de sirena.

Como parte de esta idea de pensamiento único, el lenguaje se convierte en una herramienta de conspiración y manipulación, un ejercicio de dominación y domesticación más que un lenguaje de democracia, un universo artificial que parece completamente real. Las obras que conforman la serie Battle Cry (2019), creadas por un robot de dibujo para así eliminar por completo el trabajo manual del artista, Daniel G Andújar presenta una colección de aquellos slóganes y frases durante los últimos años y que conforman un archivo de eslóganes políticos utilizados por los políticos contemporáneos.

Web artista: https://danielandujar.org

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Dibujo. Tinta sobre papel Hahnemüle

2019 - 2020

1200 EUR
Impuestos no incluidos

Daniel G. Andújar

Estamos mal pero vamos bien (Serie Battle Cry), 2019 - 2020

Estamos mal pero vamos bien (Serie Battle Cry)

Daniel G. Andújar

Daniel G Andújar (1966, Almoradí) desempeña su trabajo entorno a las cuestiones de la democracia y la desigualdad en la sociedad de la información. Mediante la ironía, cuestiona como el uso de las nuevas tecnologías nos afecta y transforman en nuestra experiencia cotidiana y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

En un mundo saturado de imágenes, impactos mediáticos y todo tipo de intrusiones publicitarias, sorprende cómo las técnicas de marketing de la propaganda política consiguen hacerse un hueco entre tanta competencia para hacernos llegar su mensaje y evocar su canto de sirena.

Como parte de esta idea de pensamiento único, el lenguaje se convierte en una herramienta de conspiración y manipulación, un ejercicio de dominación y domesticación más que un lenguaje de democracia, un universo artificial que parece completamente real. Las obras que conforman la serie Battle Cry (2019), creadas por un robot de dibujo para así eliminar por completo el trabajo manual del artista, Daniel G Andújar presenta una colección de aquellos slóganes y frases durante los últimos años y que conforman un archivo de eslóganes políticos utilizados por los políticos contemporáneos.

Web artista: https://danielandujar.org

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Dibujo. Tinta sobre papel Hahnemüle

2019 - 2020

1200 EUR
Impuestos no incluidos

Daniel G. Andújar

Alliance Works (Serie Battle Cry), 2019 - 2020

Alliance Works (Serie Battle Cry)

Daniel G. Andújar

Daniel G Andújar (1966, Almoradí) desempeña su trabajo entorno a las cuestiones de la democracia y la desigualdad en la sociedad de la información. Mediante la ironía, cuestiona como el uso de las nuevas tecnologías nos afecta y transforman en nuestra experiencia cotidiana y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

En un mundo saturado de imágenes, impactos mediáticos y todo tipo de intrusiones publicitarias, sorprende cómo las técnicas de marketing de la propaganda política consiguen hacerse un hueco entre tanta competencia para hacernos llegar su mensaje y evocar su canto de sirena.

Como parte de esta idea de pensamiento único, el lenguaje se convierte en una herramienta de conspiración y manipulación, un ejercicio de dominación y domesticación más que un lenguaje de democracia, un universo artificial que parece completamente real. Las obras que conforman la serie Battle Cry (2019), creadas por un robot de dibujo para así eliminar por completo el trabajo manual del artista, Daniel G Andújar presenta una colección de aquellos slóganes y frases durante los últimos años y que conforman un archivo de eslóganes políticos utilizados por los políticos contemporáneos.

Web artista: https://danielandujar.org

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Dibujo. Tinta sobre papel Hahnemüle

2019 - 2020

1200 EUR
Impuestos no incluidos

Daniel G. Andújar

Our Moment, 2019 - 2020

Our Moment

Daniel G. Andújar

Daniel G Andújar (1966, Almoradí) desempeña su trabajo entorno a las cuestiones de la democracia y la desigualdad en la sociedad de la información. Mediante la ironía, cuestiona como el uso de las nuevas tecnologías nos afecta y transforman en nuestra experiencia cotidiana y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

En un mundo saturado de imágenes, impactos mediáticos y todo tipo de intrusiones publicitarias, sorprende cómo las técnicas de marketing de la propaganda política consiguen hacerse un hueco entre tanta competencia para hacernos llegar su mensaje y evocar su canto de sirena.

Como parte de esta idea de pensamiento único, el lenguaje se convierte en una herramienta de conspiración y manipulación, un ejercicio de dominación y domesticación más que un lenguaje de democracia, un universo artificial que parece completamente real. Las obras que conforman la serie Battle Cry (2019), creadas por un robot de dibujo para así eliminar por completo el trabajo manual del artista, Daniel G Andújar presenta una colección de aquellos slóganes y frases durante los últimos años y que conforman un archivo de eslóganes políticos utilizados por los políticos contemporáneos.

Web artista: https://danielandujar.org

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Dibujo. Tinta sobre papel Hahnemüle

2019 - 2020

1200 EUR
Impuestos no incluidos

Daniel G. Andújar

Make Europe Great Again (Serie Battle Cry), 2019 - 2020

Make Europe Great Again (Serie Battle Cry)

Daniel G. Andújar

Daniel G Andújar (1966, Almoradí) desempeña su trabajo entorno a las cuestiones de la democracia y la desigualdad en la sociedad de la información. Mediante la ironía, cuestiona como el uso de las nuevas tecnologías nos afecta y transforman en nuestra experiencia cotidiana y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

En un mundo saturado de imágenes, impactos mediáticos y todo tipo de intrusiones publicitarias, sorprende cómo las técnicas de marketing de la propaganda política consiguen hacerse un hueco entre tanta competencia para hacernos llegar su mensaje y evocar su canto de sirena.

Como parte de esta idea de pensamiento único, el lenguaje se convierte en una herramienta de conspiración y manipulación, un ejercicio de dominación y domesticación más que un lenguaje de democracia, un universo artificial que parece completamente real. Las obras que conforman la serie Battle Cry (2019), creadas por un robot de dibujo para así eliminar por completo el trabajo manual del artista, Daniel G Andújar presenta una colección de aquellos slóganes y frases durante los últimos años y que conforman un archivo de eslóganes políticos utilizados por los políticos contemporáneos.

Web artista: https://danielandujar.org

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Dibujo. Tinta sobre papel Hahnemüle

2019 - 2020

1200 EUR
Impuestos no incluidos

Mabel Palacín

Paisaje Interior con Marina, 2020

Paisaje Interior con Marina

Mabel Palacín

El campo de trabajo Mabel Palacin ( Barcelona, 1966) es la fotografía considerada en todas sus mutaciones, incluyendo el cine, el vídeo y sus variantes digitales.

Las fotografias desarrolladas con Paisaje Interior con Marina, proyecto que también se despliega en una video instalación con dimensión arquitectónica, expresan la tradición subversiva del collage en que es posible imaginar mundos en que los personajes arden desapareciendo junto a una chimenea, los animales son empujados por la gravedad y los objetos alteran su escala reordenando el mundo. Las fotografias son el paisaje interior de la imaginación.

Web artista: https://mabelpalacin.com/

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Fotografía color. Impresión digital giclée sobre papel Matadero Fiber Hahnemüle

2020

3000 EUR
Impuestos no incluidos

Mabel Palacín

Paisaje Interior con Marina. Pingüino, 2020

Paisaje Interior con Marina. Pingüino

Mabel Palacín

El campo de trabajo Mabel Palacin ( Barcelona, 1966) es la fotografía considerada en todas sus mutaciones, incluyendo el cine, el vídeo y sus variantes digitales.

Las fotografias desarrolladas con Paisaje Interior con Marina, proyecto que también se despliega en una video instalación con dimensión arquitectónica, expresan la tradición subversiva del collage en que es posible imaginar mundos en que los personajes arden desapareciendo junto a una chimenea, los animales son empujados por la gravedad y los objetos alteran su escala reordenando el mundo. Las fotografias son el paisaje interior de la imaginación.

Web artista: https://mabelpalacin.com/

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Fotografía color. Impresión digital giclée sobre papel Matadero Fiber Hahnemüle

2020

2000 EUR
Impuestos no incluidos

Mabel Palacín

Paisaje Interior con Marina. Aranjuez, 2020

Paisaje Interior con Marina. Aranjuez

Mabel Palacín

El campo de trabajo Mabel Palacin ( Barcelona, 1966) es la fotografía considerada en todas sus mutaciones, incluyendo el cine, el vídeo y sus variantes digitales.

Las fotografias desarrolladas con Paisaje Interior con Marina, proyecto que también se despliega en una video instalación con dimensión arquitectónica, expresan la tradición subversiva del collage en que es posible imaginar mundos en que los personajes arden desapareciendo junto a una chimenea, los animales son empujados por la gravedad y los objetos alteran su escala reordenando el mundo. Las fotografias son el paisaje interior de la imaginación.

Web artista: https://mabelpalacin.com/

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Fotografía color. Impresión digital giclée sobre papel Matadero Fiber Hahnemüle

2020

2000 EUR
Impuestos no incluidos

Carlos Casas

Cemetery, 2020

Cemetery

Carlos Casas

La obra de Carlos Casas (1974, Barcelona) se sitúa entre el cine documental, y el arte visual y sonoro, tratando de ampliar las fronteras de la experiencia visual contemporánea, como lo haría un antropólogo pero teniendo en cuenta los objetivos de un artista. Sus obras documentan con poesía y precisión los lugares y las personas que habitan los límites de nuestro planeta.

Las obras que se presentan de Carlos Casas forman parte de su proyecto Notas para una película sobre elefantes y todas ellas se originan a partir de un viaje, el que se inicia con la investigación de un mito en nuestra cultura visual y literaria, el del cementerio de elefantes. Este mito anclado en el imaginario colectivo nos aproxima a una realidad cercana, la de nuestra fragilidad como especie. El proyecto es una investigación que nace de la ficción para poner en relieve la vulnerabilidad de nuestros debilitados ecosistemas y regresar al mundo de lo imaginado en forma de película “Cemetery” (2019)

Sus obras funcionan como un diálogo abierto con el visitante, en el que a través de la utilización diversos medios (fotografía, dibujo o collage) Casas desengrana su investigación para la realización de su última película en la que se intercambian planteamientos que emergen del imaginario de ficción, donde se ve representada la naturaleza para acercarnos a la inminente realidad del Antropoceno.

Web artista: http://www.carloscasas.net

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Fotografía. Impresión digital a coro en papel Hahnemühle Photo Rag Baryta.

2020

2000 EUR
Impuestos no incluidos

Carlos Casas

Mutia Escarpment (composite series), 2020

Mutia Escarpment (composite series)

Carlos Casas

La obra de Carlos Casas (1974, Barcelona) se sitúa entre el cine documental, y el arte visual y sonoro, tratando de ampliar las fronteras de la experiencia visual contemporánea, como lo haría un antropólogo pero teniendo en cuenta los objetivos de un artista. Sus obras documentan con poesía y precisión los lugares y las personas que habitan los límites de nuestro planeta.

Las obras que se presentan de Carlos Casas forman parte de su proyecto Notas para una película sobre elefantes y todas ellas se originan a partir de un viaje, el que se inicia con la investigación de un mito en nuestra cultura visual y literaria, el del cementerio de elefantes. Este mito anclado en el imaginario colectivo nos aproxima a una realidad cercana, la de nuestra fragilidad como especie. El proyecto es una investigación que nace de la ficción para poner en relieve la vulnerabilidad de nuestros debilitados ecosistemas y regresar al mundo de lo imaginado en forma de película “Cemetery” (2019)

Sus obras funcionan como un diálogo abierto con el visitante, en el que a través de la utilización diversos medios (fotografía, dibujo o collage) Casas desengrana su investigación para la realización de su última película en la que se intercambian planteamientos que emergen del imaginario de ficción, donde se ve representada la naturaleza para acercarnos a la inminente realidad del Antropoceno.

Web artista: http://www.carloscasas.net

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B/W impresión digital sobre Hahnemülhe Photo Rag Baryta

2020

1000 EUR
Impuestos no incluidos

Carlos Casas

Film Drawings, 2020

Film Drawings

Carlos Casas

La obra de Carlos Casas (1974, Barcelona) se sitúa entre el cine documental, y el arte visual y sonoro, tratando de ampliar las fronteras de la experiencia visual contemporánea, como lo haría un antropólogo pero teniendo en cuenta los objetivos de un artista. Sus obras documentan con poesía y precisión los lugares y las personas que habitan los límites de nuestro planeta.

Las obras que se presentan de Carlos Casas forman parte de su proyecto Notas para una película sobre elefantes y todas ellas se originan a partir de un viaje, el que se inicia con la investigación de un mito en nuestra cultura visual y literaria, el del cementerio de elefantes. Este mito anclado en el imaginario colectivo nos aproxima a una realidad cercana, la de nuestra fragilidad como especie. El proyecto es una investigación que nace de la ficción para poner en relieve la vulnerabilidad de nuestros debilitados ecosistemas y regresar al mundo de lo imaginado en forma de película “Cemetery” (2019)

Sus obras funcionan como un diálogo abierto con el visitante, en el que a través de la utilización diversos medios (fotografía, dibujo o collage) Casas desengrana su investigación para la realización de su última película en la que se intercambian planteamientos que emergen del imaginario de ficción, donde se ve representada la naturaleza para acercarnos a la inminente realidad del Antropoceno.

Web artista: http://www.carloscasas.net

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Tinta blanca sobre papel

2020

1331 EUR
Impuestos no incluidos

Carlos Casas

Film Drawings, 2020

Film Drawings

Carlos Casas

La obra de Carlos Casas (1974, Barcelona) se sitúa entre el cine documental, y el arte visual y sonoro, tratando de ampliar las fronteras de la experiencia visual contemporánea, como lo haría un antropólogo pero teniendo en cuenta los objetivos de un artista. Sus obras documentan con poesía y precisión los lugares y las personas que habitan los límites de nuestro planeta.

Las obras que se presentan de Carlos Casas forman parte de su proyecto Notas para una película sobre elefantes y todas ellas se originan a partir de un viaje, el que se inicia con la investigación de un mito en nuestra cultura visual y literaria, el del cementerio de elefantes. Este mito anclado en el imaginario colectivo nos aproxima a una realidad cercana, la de nuestra fragilidad como especie. El proyecto es una investigación que nace de la ficción para poner en relieve la vulnerabilidad de nuestros debilitados ecosistemas y regresar al mundo de lo imaginado en forma de película “Cemetery” (2019)

Sus obras funcionan como un diálogo abierto con el visitante, en el que a través de la utilización diversos medios (fotografía, dibujo o collage) Casas desengrana su investigación para la realización de su última película en la que se intercambian planteamientos que emergen del imaginario de ficción, donde se ve representada la naturaleza para acercarnos a la inminente realidad del Antropoceno.

Web artista: http://www.carloscasas.net

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Tinta blanca sobre papel

2020

1331 EUR
Impuestos no incluidos

Pep Agut

Artistes i pretendents, 2016

Artistes i pretendents

Pep Agut

Partiendo de su doble formación en la práctica de la pintura y la fotografía Pep Agut (1961, Barcelona) enfoca muy temprano su interés en los problemas de la representación, el papel del artista y el lugar del arte.

Esta obra pertenece al proyecto "Penélope" (2016) de Pep Agut en el que el artista acumula en su discurso sobre la representación (1979-2016) la experiencia de un navegante en las aguas del mundo del arte y de la estética ... y toda experiencia artística es una forma de compromiso social.

"Odiseo se va a la guerra de Troya. Penélope, su mujer, permanecerá a la espera de su regreso en su casa de Ítaca. Los potentados del lugar pasan a ser los pretendientes de Penélope. El palacio se convierte en la sede de una gran orgía que durará más de veinte años. Penélope propone casarse con alguno de ellos cuando finalice el tejido que ha comenzado, una túnica para celebrar el regreso de su marido, retorno en el que no creen en absoluto los pretendientes. Por la noche deshace parte de lo que ha tejido por la mañana. Su hijo, Telémaco, huye en busca de su padre. Odiseo regresa al fin, más de veinte años más tarde después de navegar por todo el Mediterráneo pasando todo tipo de aventuras y, uno a uno, asesina a los pretendientes de su esposa y recupera el trono. Una de sus sirvientas lo reconoce por una vieja cicatriz en la rodilla en medio de un cuerpo marcado por las heridas de guerra. Penélope no puede ofrecerle su regalo, pues este, continuamente interrumpido, continuamente des-tejido, no representa nada.

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Tela, DECAdry, bastidor, grapas y pintura sobre pared.

2016

15000 EUR
Impuestos no incluidos

Ania Soliman

bamboo 33447 (1535 leaves), 2018

bamboo 33447 (1535 leaves)

Ania Soliman

En la obra de Ania Soliman (Varsovia, 1970) encontramos un interés por el proceso de la naturaleza que se convierte en máquina y de la máquina que se convierte en naturaleza, y el aspecto fundamentalmente mecánico del lenguaje le resulta particularmente fascinante.

Las obras que presentamos pertenecen al proyecto titulado "La naturaleza es un experimento", con el que Soliman inicia una investigación sobre la naturaleza y sus diversas tecnologías. La artista presenta varios dibujos de plantas de bambú artificiales de color amarillo para subrayar su artificialidad. Diseñadas por humanos, con un número de serie y producidas en masa en plástico o tela, las plantas de bambú artificiales representan el tipo de sobreproducción irracional y maníaca que amenaza nuestra existencia en este planeta.

Web artista: http://aniasoliman.com

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Encáustica, lápiz, pigmento, fragmentos de un manual de dibujo técnico sobre papel

2018

9000 EUR
Impuestos no incluidos

Ania Soliman

bamboo VHA101714, 2018

bamboo VHA101714

Ania Soliman

En la obra de Ania Soliman (Varsovia, 1970) encontramos un interés por el proceso de la naturaleza que se convierte en máquina y de la máquina que se convierte en naturaleza, y el aspecto fundamentalmente mecánico del lenguaje le resulta particularmente fascinante.

Las obras que presentamos pertenecen al proyecto titulado "La naturaleza es un experimento", con el que Soliman inicia una investigación sobre la naturaleza y sus diversas tecnologías. La artista presenta varios dibujos de plantas de bambú artificiales de color amarillo para subrayar su artificialidad. Diseñadas por humanos, con un número de serie y producidas en masa en plástico o tela, las plantas de bambú artificiales representan el tipo de sobreproducción irracional y maníaca que amenaza nuestra existencia en este planeta.

Web artista: http://aniasoliman.com

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Encáustica, lápiz, pigmento, fragmentos de un manual de dibujo técnico sobre papel

2018

9000 EUR
Impuestos no incluidos

Peter Gallo

Small pink bed, 2007 - 2015

Small pink bed

Peter Gallo

La obra de Peter Gallo (1959, Vermont) comprende piezas de técnica mixta en las que (combina un imaginario de recursos tan diversos como la pornografía gay y la ornitología con palabras de Roland Barthes, Freud, y bandas como la Joy Division y The Cocteau Twins.

Para la realización de esta obra el artista utiliza materiales de su historia personal, como es el caso del bastidor que proviene de su adolescencia. Pink bed se inspira de las obras pictóricas de las pinturas monocromas de Robert Ryman.

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Óleo sobre lino

2007 - 2015

9000 EUR
Impuestos no incluidos

Peter Gallo

Blood Drive, 2015

Blood Drive

Peter Gallo

Su obra comprende piezas de técnica mixta en las que Peter Gallo (1940, Rutland,Vermont) (combina un imaginario de recursos tan diversos como la pornografía gay y la ornitología con palabras de Roland Barthes, Freud, y bandas como la Joy Division y The Cocteau Twins.

Esta obra se inspira en El ‘barco de tontos’ que explica Foucault, que pertenece a la historia occidental de la locura y la alteridad desde la tardía Edad Media, es un tema recurrente en la obra de Gallo. ‘Blood Drive’ (2014-15), parte de una serie de obras basadas en pósteres de la Cruz Roja local dibujados con sangre, está pintada sobre una sábana grapada a un bastidor temporal y muestra su barco insignia; la obra enlaza la historia queer, el amor y el contagio, así como la peculiar experiencia del pintor, a la antigua historia de la exclusión y la marginalización. Un impulso alegórico es también evidente en su tendencia a exponer obras en conjuntos, como fragmentos de un proceso vivido, siempre inacabado.

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Óleo sobre lienzo

2015

13500 EUR
Impuestos no incluidos

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